La ilustración científica se toma a Bogotá

La ilustración científica se toma a Bogotá

Generar espacios de encuentro entre personas e instituciones que se dedican a la ilustración científica a nivel nacional y dar a conocer la importancia del dibujo como herramienta para la divulgación del conocimiento son los objetivos del primer Encuentro Colombiano de Ilustración Científica: El arte de ilustrar la ciencia.

Este evento se realizará entre el 27 y el 29 de junio en las instalaciones de la Javeriana y contará con la participación de expertos en ilustración científica de países como México, Ecuador, Chile, Perú y Colombia, quienes presentarán sus experiencias sobre ilustración botánica contemporánea, fundamentos de la ilustración digital aplicados a la ilustración científica y desarrollo de diseños e impresión 3D en medicina y bioimpresion de tejidos; también dictarán talleres de acuarela, técnicas mixtas y lápiz grafito.

Los invitados al encuentro son Geraldine MacKinnon, artista visual chilena; Juan Carlos Pérez, diseñador gráfico ecuatoriano; Rosa Alves Pereira, brasileña, licenciada en artes visuales; Óscar Vilca, pintor y escultor peruano; la colombiana Marie Joëlle Giraud, especialista en ilustración e ingeniera geológica, y el bogotano Jaime Bonilla, máster en arte médico de la Universidad de Dundee en Escocia.

Adicionalmente, durante esta semana se conformará la primera Red Iberoamericana de Ilustración Científica y se presentará un encuentro de saberes entre Abel Rodríguez, Uldarico Matapí y Carlos Rodríguez, quienes se hablarán sobre la ilustración científica desde la visión indígena.

El arte de ilustrar la ciencia es un sueño cumplido, una iniciativa gestionada por el artista Juan Pablo Vergara, docente de la Facultad de Artes de la Universidad Javeriana, en un trabajo conjunto con el Jardín Botánico José Celestino Mutis, la Asociación Colombiana para el Avance de la Ciencia -ACAC-, la Academia de Artes Guerrero y la American Society of Botanical Artists, entre otros.

Por eso, luego de más de 30 años ilustrando para organizaciones como el Instituto de Ciencias Naturales de la Universidad Nacional de Colombia, el Instituto Alexander Von Humboldt, o El Tiempo Casa Editorial, Vergara le cuenta a Pesquisa Javeriana cómo inició su pasión por la ilustración, cuáles son las habilidades que debe tener quien desee dedicarse a este oficio y extiende la invitación al encuentro El arte de ilustrar la ciencia.

Del diseño a la mesa

Del diseño a la mesa

Entre sombreros andinos, ruanas tejidas y maracas, cuatro profesores de la Facultad de Arquitectura y Diseño de la Pontificia Universidad Javeriana cantan a una sola voz La cucharita, de Jorge Velosa, una de las canciones más representativas de la sabana cundiboyacense.

Se trata una práctica común entre los diseñadores Gloria Barrera Jurado, Cielo Quiñones Aguilar, Jairo Acero Niño y Nelson López Gamboa, todos profesores de la asignatura ‘Diseño y cultura’. Llevan más de 10 años rescatando las tradiciones culturales y prácticas identitarias de las comunidades colombianas a través del trabajo de co-creación con estudiantes.

Esta asignatura, adscrita al Departamento de Diseño, surgió a partir de investigaciones hechas por Quiñones y Barrera en el grupo Diseño Sociocultural, del cual hasta el momento han resultado publicaciones como Conspirando con los artesanos: Crítica y propuesta al diseño en la artesanía, Diseño socialmente responsable: Ideología y participación, Autonomía Artesanal: Creaciones y resistencias del Pueblo Kamsá, entre otros.

De acuerdo con las investigadoras, en este proyecto se “abordan las problemáticas prioritarias del país en términos del reconocimiento de la diversidad cultural, de la protección de las expresiones culturales de los pueblos y la identificación de situaciones apremiantes como la crisis ambiental, la crisis civilizatoria y los problemas de homogeneización de la cultura”.

Así, los estudiantes crean productos para responder a realidades y problemáticas encontradas en las regiones analizadas interpretando las relaciones culturales, políticas, económicas y ambientales de sus grupos sociales.

“Hacemos una aproximación a diferentes pueblos de todo el país para rendirles un homenaje a aquellos que han sido invisibilizados e irrespetados como los pueblos originarios, los campesinos y los afrodescendientes”, dicen los docentes.

Pesquisa Javeriana estuvo presente en la última clase de esta asignatura con  aproximadamente 15 estudiantes, quienes recrearon los platos más representativos de las regiones Andina, Caribe y Pacífico.

El siguiente vídeo es una recopilación del trabajo realizado durante el ejercicio ‘Carnaval en la mesa’, proyecto en el que los estudiantes escogieron una fiesta colombiana, exploraron sus alimentos y los diferentes oficios artesanales para realizar una propuesta de diseño en torno a los servicios de mesa para estas cocinas tradicionales.

Trascender hacia la fantasía

Trascender hacia la fantasía

Imagínese recorrer un pasillo que parece no tener fin y que pertenece a un edificio que existió muchos años atrás, colmado con el sonido de mil máquinas de escribir. Ese fue el detonante para Fabricia, animación con la que Cecilia Traslaviña ganó el Premio Bienal a la Creación Artística Javeriana que se entregó en septiembre de 2014, en el marco de primer Encuentro Javeriano de Arte y Creatividad. Era también la primera vez que la Universidad reconocía el talento creativo. Los 18 años de hacer escuela, de romper los límites estéticos y la reflexión constante sobre su campo, hicieron merecedora a Traslaviña de esta distinción.

Esa remembranza de su infancia, en la que quizás solo fueron diez señoras que trabajaron con máquinas de escribir junto con su madre en la Registraduría Nacional del Estado Civil, fue el recuerdo motivador para que la profesora de la Facultad de Artes de la Pontificia Universidad Javeriana le diera vida a uno de sus personajes consentidos. Ése que, además, le ha devuelto muchas sonrisas y reconocimientos. Además del premio javeriano, Traslaviña ha presentado esta obra de animación en espacios nacionales e internacionales como la Cinemateca Distrital de Bogotá, , el XVI Festival de Cine de Santa Fe de Antioquia, el V Festival de Cine Corto de Popayán, la Muestra de Cine en Femenino, Chilemonos en Santiago de Chile, Panorama du cinema Colombien de Paris, 20th KROK International Animated Film Festival, en Ucrania, entre otros.

“Lo que brinda Fabricia es la posibilidad de abrirse a la fantasía”, asegura la creadora de esta historia que cuenta cómo una niña llega a una fábrica que la asusta terriblemente y que a través de la imaginación logra huir de ese espacio que la agobiaba. Agrega Traslaviña que, a pesar de vivir en un mundo complicado y difícil, la imaginación es el poder esencial para encontrar salidas a lo creativo. Ese es el mensaje que ha buscado transmitir a lo largo de su carrera como profesora desde 1989 cuando comenzó su experiencia docente en diseño de textiles en Talleres Esperanza. Luego, cuando pasó a la Javeriana en 2000, su pasión artística y foco académico se concentraron en la animación y el cine experimental. En casi dos décadas, junto a otros profesores, ha fortalecido esta área artística en la Facultad de Artes, destacándola en el campo artístico nacional tanto por las producciones realizadas como por los reconocimientos obtenidos.

La preocupación por impulsar las obras de sus estudiantes es palpable. “A cualquier festival donde vaya llevo un compilado de animaciones colombianas y de los estudiantes; así no sea parte de los programas oficiales de los eventos, trato de empujar para que lo vean”, explica. Asegura que la animación colombiana tiene actualmente un fuerte dinamismo, sin embargo, las producciones de las universidades suelen quedarse en el entorno académico, no trascienden. Por ello visibilizarlas en cuanto espacio encuentra es una consigna asumida. Además, porque está convencida de que el sello de la Javeriana está en esas apuestas experimentales de búsqueda de narrativas poco convencionales y arriesgadas, de no contar las historias y los personajes desde una estructura solamente tradicional sino con una propuesta estética y emotiva que conmocione a quien la ve.

En la trayectoria de Traslaviña se destaca la producción de más de diez piezas audiovisuales en animación desde 1988, las cuales han participado en festivales a lo largo del planeta:

  • Almas Santas Almas Pacientes, 2007
  • Una vez fuimos peces, 2008
  • La Casa del Tiempo, 2009
  • Álbum, 2009
  • El silencio habita en tu ventana, 2010
  • Presencias/Ausencias, 2012
  • Fabricia, 2013
  • Perpetuum Mobile 2014
  • Memorias y Caminos 2015
  • Movimientos en el sótano 2017
Imagen de 'Fabricia'.
Imagen de ‘Fabricia’.


Los cambios del campo en Colombia

Cecilia Traslaviña es reflexión viva sobre su quehacer y el de sus estudiantes. La creación propia y colectiva es constante, cuenta con más de 15 piezas de su autoría y otras colaboraciones, así como el acompañamiento de 19 trabajos de grado de estudiantes en dos décadas. Pero las inquietudes artísticas no se quedan allí. Su cuestionamiento por ampliar los límites de las posibilidades de la creación hace parte de su cotidianidad. “Yo insisto mucho en eso, un artista tiene que crear su propio mundo y jalar hacia algún lado, proponiendo siempre. No quedarse solo en lo que funciona, sino que amplíe el medio. En últimas, eso es lo que lo enriquece”, asegura. Comprende que en los trabajos hay que dar respuestas a inquietudes comerciales, pero eso no debe impedir que en el mundo propio se sigan experimentando y explorando rumbos genuinos.

No es desconocido para la profesora que es un choque fuerte cuando los estudiantes terminan su carrera en la universidad y se enfrentan al mercado que condiciona la creación. “Ahí el problema no es que trabajen en una empresa, sino que no olviden su proyecto personal, seguirlo haciendo de manera independiente. Porque o si no es venderle el alma al diablo”, sentencia. “Y lo digo ahora con el tiempo porque ya pasé por esas. También lo sufrí un montón”.

Recuerda cuando en la Javeriana no había ni siquiera mesa de animación, tampoco el país tenía muchos recursos para producir estas piezas audiovisuales. El cambio y crecimiento de este campo de creación es notorio, por ejemplo, con el diplomado en animación experimental que se ofreció entre 2005 y 2015 por medio del programa de Educación Continua en la Javeriana, con la creación en 2016 del pregrado Realización en Animación de la Universidad Jorge Tadeo Lozano, la Especialización en Animación de la Universidad Nacional de Colombia, el aumento en premios del Fondo de Desarrollo Cinematográfico o la convocatoria en animación creada por el Instituto Distrital de las Artes–Idartes. “El campo se ha ido abriendo y es en la medida en que viene más gente estudiando animación”, asegura.

También han surgido cambios en las convergencias de áreas artísticas y del uso de la tecnología. La tendencia ahora es a combinar la animación con artes electrónicas, con cine expandido o la animación documental y la de ensayo. “Es decir, se ha ido abriendo a otros campos y eso la enriquece un montón. Empieza uno a ver una paleta de obras muy amplia”. En cuanto a las preocupaciones temáticas, Traslaviña ha identificado que la memoria, tanto colectiva como personal, suele ser el recurso más constante en la producción de sus estudiantes; también el uso experimental de la forma o buscar transformaciones basadas en la música. Otros temas suelen ser de carácter fantástico. Últimamente, ha sentido una preocupación por los asuntos actuales del país.


La reflexión académica también cuenta

En su producción intelectual, cuenta con artículos sobre animación experimental y cine de animación. Ha sido ganadora de premios a mejor animación en el V Festival Internacional de cine El Espejo (Bogotá, 2008), I Festival Internacional de Cine de Mompox (Bolívar, 2008) y estímulo para la realización de cortometrajes del Fondo de Desarrollo Cinematográfico en 2005 y 2010. Su línea de investigación está enfocada en Pedagogía, tecnología y sociedad en las artes visuales, y ha realizado diferentes textos académicos y divulgativos alrededor de las prácticas, la historia, los actores y los modos de la animación en el país.

La profesora Cecilia Traslaviña se ha hecho un nombre en el campo de la animación en Colombia.
La profesora Cecilia Traslaviña se ha hecho un nombre en el campo de la animación en Colombia.

“Sigo entusiasmada y queremos seguir haciendo investigaciones en el campo de la animación”, asegura Traslaviña, y explica los documentales sobre animación que hizo con Mauricio Durán y Gilberto Andrés Martínez, titulados Perpetuum Mobile (capítulos I, II y III), que están en el Catálogo de Obras Artísticas de la Pontificia Universidad Javeriana. Este proyecto nació como una necesidad de presentar la animación más allá de una técnica audiovisual o de un producto exclusivo para el público infantil. Para aclarar ese supuesto, los profesores realizaron entrevistas a animadores y no animadores, con el objetivo de indagar por las formas de trabajo y los puntos de partida para crear, descubriendo un amplio espectro de modos de realizar sus proyectos –por ejemplo, varios creadores hacían guion, otros no; algunos creaban tres cosas simultáneamente–. Es decir, concluyeron que hay tantas posibilidades de trabajo como personas haciéndolo y que no hay una regla fija que condicione la creación en animación.

El primer capítulo se enfocó en la noción de espacio-tiempo y cómo, desde la animación, se descompone el tiempo para recomponerlo después. Era la mirada de artistas sobre cómo crean ese espacio en animación y cómo evidencian que ella hace parte del arte; el segundo trató de las metodologías de trabajo y cómo la animación puede hablar de la realidad, planteando así la disruptiva de que solo el documental puede retratar los hechos reales. Es decir, comprender la animación como herramienta para contar la realidad. El tercer capítulo abordó la relación entre la tecnología y las artes desde la experiencia personal hasta situaciones más elaboradas, y cómo la tecnología ha cambiado todas las maneras de hacer en todas las disciplinas, no solamente en la creación sino en cualquier campo del conocimiento.

Esta amplia y valorada trayectoria, la preocupación por su campo, la formación de escuela y su constante evolución en las piezas de animación y cine experimental, fueron aspectos tenidos en cuenta para que Cecilia Traslaviña fuera la primera artista reconocida con el Premio Bienal a la Creación Artística Javeriana. Asegura que fue una fantástica sorpresa, que todavía la emociona al contarla, sobre todo porque es un espaldarazo a su trabajo y a los esfuerzos de sus compañeros por posicionar un campo poco tradicional en medio de artes con trayectorias históricas.

El arte de describir el mundo con trazos

El arte de describir el mundo con trazos

Nadie ama lo que desconoce y mucho menos cuando no existe alguien que se encargue de mostrar que eso no solo es capaz de transformar cómo se ve la vida, sino también de narrar la historia de la humanidad. Por eso, Juan Pablo Vergara Galvis, profesor de la Facultad de Artes de la Pontificia Universidad Javeriana, ha dedicado más de 30 años de su vida a enseñar que las manos de los artistas pueden ser guiadas por los ojos del botánico y el zoólogo para hacer arte con trazos.

La cita está agendada de dos a tres horas por semana para encontrarse con jóvenes de diversas facultades de la Javeriana y mostrarles en cada sesión su pasión por la ilustración científica: el arte de describir el mundo a través del dibujo. Cada estudiante llega a la clase con un lápiz y papel; a partir de recursos gráficos, como diapositivas y copias con diseños impresos de especies botánicas, Vergara les enseña las formas que deben seguir.

Asisten de 20 a 30 estudiantes por clase, algunos de ellos pertenecen a colegios jesuitas y que inscriben esta asignatura con el propósito de definir si se dedicarán a este arte por el resto de sus vidas. Además, una de las actividades predilectas del docente javeriano consiste en llevar a los jóvenes al Jardín Botánico José Celestino Mutis, en donde les enseña a bocetar la estructura de hojas, follajes y diversos perfiles de vegetación.

Durante cada encuentro, este bogotano de 64 años discute con sus alumnos cómo ilustrar conceptos de biología, botánica o zoología, por mencionar algunas disciplinas, porque, según él, primero es necesario aprender a observar el mundo para posteriormente ilustrar y hacer de esta actividad un recurso sublime de narración gráfica. Tal y como lo señalaba el científico francés Yves Coineau: “El dibujo es una forma de expresión tan preciosa para la morfología como el lenguaje hablado lo es para la filosofía”.

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Las sesiones en el Jardín Botánico José Celestino Mutis, de Bogotá, son esenciales para que el profesor Vergara explique los aspectos fundamentales del trazo a sus estudiantes.

Con sus botas de escalador, Vergara entra al salón e inicia la clase. Uno a uno, sus alumnos hacen silencio mientras él acomoda una bufanda sobre su camisa a cuadros color azul; un sorbo de agua y está listo, empieza con una frase del francés George Cuvier, reconocido como el padre de la paleontología: “Sin el arte del dibujo, el desarrollo de la historia natural no hubiera sido posible”. ¿Qué quiere decir? ¿Qué significa esa afirmación en el contexto en el que se cree que la fotografía “ha reemplazado” al dibujo? ¿Cuál es la importancia del arte?

Si bien la ilustración científica se empezó a gestar en Europa desde la época del Renacimiento, los siglos XVIII y XIX fueron decisivos para el surgimiento de los primeros viajes y expediciones en las Américas, lo cual permitió el desarrollo de la historia botánica en el país.

Colombia fue uno de los primeros países suramericanos del siglo XVIII donde se empezó a hablar de una tradición histórica sobre ilustración botánica, cuenta el profesor Vergara durante su clase. Y menciona a José Celestino Mutis, a su juicio el precursor de este arte con el trabajo que realizó en la Real Expedición Botánica (1783 a 1816), en el cual produjo un inventario de la naturaleza que tenía el Virreinato de Nueva Granada durante el reinado de Carlos III de España; a este empeñole siguió la Comisión Corográfica, de 1850 a 1859, en cabeza del italiano Agustín Codazzi. Durante la segunda mitad del siglo XIX y hasta comienzos del XX, Colombia es recorrida por cerca de 140 exploradores, la gran mayoría europeos, muchos de ellos también dibujantes

La Expedición Botánica le permitió al país clasificar y registrar 2.708 especies de plantas y 974 anatomías en 7.618 dibujos de gran formato, monocromos y coloreados, y en 40 óleos sobre especies animales y grupos étnicos –llamados “fauna cundinamarquesa”–, según narra Vergara; para lograrlo fue necesario el trabajo de muchos dibujantes y pintores.

Su experiencia de más de 30 años como ilustrador, le ha permitido a Juan Pablo Vergara desarrollar un ojo experto hacia el más mínimo detalle botánixo y zoológico.
Su experiencia de más de 30 años como ilustrador, le ha permitido a Juan Pablo Vergara desarrollar un ojo experto hacia el más mínimo detalle botánixo y zoológico.

Así fue como la influencia traída por los españoles al continente permeó el oficio de la ilustración con un estilo lúgubre, originario de las pinturas religiosas y de la nobleza de aquella época. Sin embargo, gracias a las exploraciones hechas por los científicos, la interpretación de la ilustración cobraría después un nuevo significado con la botánica.

“El inventario de la ilustración botánica, obtenida luego de la Expedición Botánica, fue de 104 cajones de especímenes colectados, dibujos y grabados, de los cuales hay solo 1.270 piezas firmadas”, recuerda el profesor javeriano, quien añade que su gusto por el dibujo inició desde muy pequeño y por eso decidió estudiar Biología en la Universidad Nacional y Bellas Artes en la Academia de Artes Guerrero de Bogotá, para posteriormente poner en práctica sus habilidades como dibujante en el Jardín Botánico José Celestino Mutis.

Este maestro, como muchos lo reconocen, sabe muy bien que para ilustrar no solo se necesita disposición y voluntad, también “un deseo ferviente por investigar, conocer, amar, proteger y administrar la biodiversidad del país”. Por eso, pasar noches enteras en el herbario de la Universidad Nacional durante los años 80 le permitió entender que la labor de los botánicos, astrónomos y científicos durante la Expedición Botánica fue el primer paso para transformar la ilustración en Colombia y, por ende, el punto de partida para la apertura de instituciones que se encargaran del patrimonio natural del país.

La Escuela de Ciencias Naturales de la Universidad Nacional de Colombia fue la primera academia de este tipo fundada en 1867, seguida del Instituto de Ciencias Naturales de la misma universidad, la Oficina de Longitudes y Fronteras en 1902 –conocida ahora como Instituto Geográfico Agustín Codazzi– y el Instituto de Investigación de Recursos Biológicos Alexander von Humboldt en 1993, entre otros.

Así luce el trabajo del profesor Vergara.
Así luce el trabajo del profesor Vergara.

Aunque su particular candado blanco sobre su rostro es una de sus características más evidentes, el profesor Vergara se destaca por la firmeza de sus manos, la seguridad con la que traza líneas, la calidad de sus obras y la paciencia que desborda cuando de educar se trata. Pero, ¿cómo entender que todavía es vigente una clase de ilustración botánica en una época en la que día a día nacen nuevos dispositivos tecnológicos con altas capacidades para capturar imágenes instantáneas?

A pesar de los enormes progresos tecnológicos ocurridos durante los últimos años, como la creación de la primera cámara fotográfica en 1826, el primer computador digital en 1940, el surgimiento de la era del internet en 1969 o el desarrollo de aplicaciones móviles como Instagram, en 2010, con la cual se pueden capturar y publicar fotografías inmediatamente, la perspectiva de un ilustrador científico presenta detalles y cuestiones de precisión en los trazos que ni aún estas innovaciones son capaces de exponer.

“Sin desvirtuar a la fotografía, resulta bastante complicado, a veces imposible, mostrar los diversos temas de la Ilustración científica con todo el detalle, volumen y textura que requiere”, reconoce Vergara. En ese sentido, la mano del hombre ha plasmado las huellas que él mismo ha dejado sobre la Tierra desde sus inicios; un ejemplo es la fuente de información arrojada por las pinturas rupestres en Colombia de los abrigos rocosos de Chiribiquete, o las presentes en el Desierto del Sahara datadas de hace más de 4.000 años.

Gif Armadillo

En ese sentido, la educación en arte y la responsabilidad que hay tras ello fueron dos de las tantas motivaciones que llevaron a Vergara a dedicarse a la docencia. De 1992 a 1994, mientras este ‘cachaco’ estudiaba arte y trabajaba como dibujante en el Jardín Botánico de Bogotá, la reflexión sobre su trabajo y la pasión por compartir su conocimiento lo llevaron a perfeccionar su técnica en la ilustración de plantas y animales para darlo a conocer a jóvenes interesados en desarrollar la ilustración como un medio para comunicar la ciencia, los mismos que ahora asisten a sus clases.

“Esto ha sido mi modo de vida por más de 30 años, con altos y bajos, pero he llegado a ver que la ilustración es fundamental en la comunicación por la frase ‘una imagen vale más que mil palabras’”, concluye.

¿Víctimas en el arte o víctimas del arte?

¿Víctimas en el arte o víctimas del arte?

A principios de 2015, los profesores Juan Carlos Arias y José Alejandro López, de la Facultad de Artes de la Pontificia Universidad Javeriana, en Bogotá, retomaron un tema que parecía finalizado: las construcciones discursivas en lo audiovisual. En 2008 habían desarrollado un proyecto de investigación y creación sobre el documental y los límites entre la ficción y la realidad. En ese entonces llegaron a la conclusión de que todas las imágenes son ficción, pero algunas se muestran ‘objetivas’, porque el autor las construye a partir de su técnica de montaje –o sea, seleccionando y ajustando los elementos para que parezcan ‘reales’–.
Así, pues, publicaron dos textos académicos y crearon una pieza audiovisual, con lo que cerraron el proyecto. Después cada uno viajó fuera del país a ocuparse de sus propios problemas académicos. Arias se fue a la Universidad de Illinois, Estados Unidos, a hacer su doctorado en Historia del Arte, y López partió a la Universidad Federal de Río de Janeiro, en Brasil, a hacer su doctorado en Artes Visuales.

“Estábamos finalizando nuestros estudios y empezamos a intercambiar correos electrónicos”, cuenta Arias. “Yo le conté a José Alejandro sobre una inquietud que me estaba rondando, a propósito del diálogo de paz entre el gobierno y las Fuerzas Armadas Revolucionarias de Colombia (FARC), y a él le interesó. “Entonces compartimos bibliografía y coincidimos en que queríamos crear algo y decidimos formular un proyecto de investigación”.

Apenas volvieron a Bogotá se presentaron a la convocatoria de Creación de la Asistencia para Creación Artística, resultaron beneficiados e iniciaron el proyecto –o lo reiniciaron– que se llamó “Las ‘víctimas’ en el arte: procesos de visibilización y representación”. Así como en la investigación de 2008 se preguntaron en términos discursivos qué definía al cine documental, buscaron precisar –de nuevo en términos discursivos- cómo definía este a la víctima. La intención no era cuestionar su realidad, sino la noción de “víctima” y su experiencia en las representaciones del medio.

“Nuestro trabajo no pretender esolver un problema
–cerrarproyectos–, sino darle  cara a unproblema…
Eso es lo que debehacer la inve stigación en arte”.
Juan Carlos Arias.

“Nuestro interés radicó en cuestionar un supuesto fundamental del cual parten la mayoría de representaciones audiovisuales de las víctimas en Colombia: su preexistencia como realidad autónoma por fuera de sus mismas representaciones”, dice Arias, y ejemplifica el asunto a través de los microdocumentales de la iniciativa La Ruta Unidos, de la Unidad para la Atención y Reparación Integral a las Víctimas. Estas piezas narran –a través del testimonio de las víctimas– cómo la guerra llegó a ciertos territorios del país.

La forma en que se logra lo anterior es simple: un personaje describe el lugar en el pasado (idílico, tranquilo, en paz), luego el argumento gira para contar cómo irrumpió la violencia en las vidas de los habitantes, provocando el desplazamiento y el miedo entre ellos; finalmente, luego de la tempestad, una voz narra el cambio y la esperanza puesta en el futuro, después de la guerra. Esto se repite una y otra vez dentro y en cada pieza documental: las víctimas interpretan el mismo papel. Las experiencias no dan cuenta de una singularidad –de un contexto– mientras que la repetición de los códigos –la música, el discurso, la narración- invisibiliza la voz. Al final las voces resultan sobre expuestas.

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“Este es el tipo de oportunidades que puede asumir la academia… No es cuestión de destruir por destruir, sino de desarmar, para dar cuenta de la complejidad de las relaciones”, aclara el profesor Arias. Para lograr lo anterior, los investigadores desarrollaron la crítica de la categoría “víctima” en dos artículos de investigación –uno que se publicará el primer semestre de 2018 y otro que está en proceso de redacción– y también problematizaron el tema mediante dos piezas de arte. Una de ellas se llamó Copistas y se exhibió en la Fundación Gilberto Alzate Avendaño, en Bogotá, en 2016. La otra pieza, una videoinstalación creada por Arias, se llamó En la ventana y fue expuesta en la sección de Documental Expandido, de la Muestra Internacional Documental de Bogotá, en 2016.

“Las obras no aplican los conceptos de los artículos. No. No se trata de que una sea el resultado de la otra”, dice Arias: “Hay cosas que no da lo académico, pero sí lo visual. Así mismo, hay cosas que no nos da la imagen, como sí ofrece la performance. En ese sentido, las obras artísticas fueron una estrategia para que la voz se dislocara, para mostrar distintos modos de visibilización y deconstrucción: afectar la voz de la víctima y mostrar su complejidad”. Hace una pausa y termina: “Nuestro trabajo no pretende resolver un problema –cerrar proyectos–, nuestro trabajo pretende darle cara a un problema… Eso es lo que debe hacer la investigación en arte”.


TÍTULO DE LA INVESTIGACIÓN: Las “víctimas” en ela rte: procesos de visibilización y representación
INVESTIGADOR PRINCIPAL: José Alejandro López
COINVESTIGADOR: Juan Carlos Arias
Facultad de Artes, Departamento de Artes Visuales
PERIODO DE LA INVESTIGACIÓN: 2015-2017

La trasescena del teatro moderno en Colombia

La trasescena del teatro moderno en Colombia

En los albores del teatro en Colombia, los intelectuales y amantes del arte y la cultura se reunían para la lectura de obras teatrales, algunas de las cuales también eran representadas. En aquel entonces –entre 1900 y 1950– los dramas abordaban temas folclóricos, costumbristas y problemas cotidianos, como la tragedia familiar por el embarazo de una joven que aún no contraía matrimonio o la preocupación por el ‘naciente feminismo’, que llevaba a las mujeres a querer expresar sus ideas o salir solas a la calle.

Poco tiempo después ocurre algo inesperado: a partir de 1960 el teatro colombiano da un salto sin precedentes y se ubica en la vanguardia internacional. Aparece entonces el llamado Nuevo Teatro y con él se consolida el teatro moderno en el país. Se crean varios grupos de teatro independiente que trascienden el entretenimiento y que entienden el arte más como una herramienta poderosa de transformación de la realidad social y política.

Pero, ¿qué fue lo que ocurrió entre 1950 y 1960 para que el teatro colombiano pasara del costumbrismo a convertirse en un referente regional? Hacer frente a este ‘misterio’ fue el propósito de la socióloga e historiadora Janneth Aldana, líder del grupo de investigación Cultura, Conocimiento y Sociedad, de la Pontificia Universidad Javeriana, quien a través de una minuciosa revisión de prensa logró comprender los antecedentes de esta transformación. “Sobre esto se ha escrito bastante, pero la historia contada recae en los recuerdos y en los intereses de las personas. Nosotros, a través de la revisión de los periódicos, reconstruimos el proceso en el momento en el que estaban ocurriendo los hechos”, explica Aldana.

La investigación se remontó a lo publicado sobre teatro en los periódicos El Espectador, El Tiempo, El Siglo y a documentos del archivo del Teatro Colón entre 1930 y 1950. Uno de los hallazgos más reveladores es que los intelectuales colombianos vivieron un verdadero remesón al intercambiar ideas con sus colegas extranjeros, quienes empezaron a llegar al país, al tiempo que ellos mismos viajaron a países como Francia, Alemania y Estados Unidos; esto les permitió experimentar en directo el teatro moderno de otras latitudes. Así, durante la década del 50 se dio una explosión de grupos teatrales independientes.

En prensa, Aldana y su equipo se toparon con cuadernillos que exponían cómo se formaban los grupos, quiénes los componían y cuál era su intensión, material con el que reconstruyeron cada historia. De la lista sobresalieron El Búho –primer grupo de teatro independiente en Colombia– y la Casa de la Cultura de Bogotá –que en 1972 se convirtió en el legendario Teatro La Candelaria–.


Salen a escena ‘Los independientes’: El Búho

Entre 1930 y 1940, a través de la Radio Nacional, los colombianos conocieron a Shakespeare, el teatro isabelino del Siglo de Oro y, en general, a los clásicos, que hasta ese momento nunca habían sido representados en el país. Posteriormente, entre 1950 y 1960, hizo su aparición el teatro experimental. De sus viajes al exterior, los amantes del arte dramático trajeron las obras de la vanguardia mundial. El reto era representarlas y consolidar un espacio de trabajo donde ensayar y poder presentarlas al público.

En esa década los temas dieron un vuelco total: se pasó de ‘la damisela que llora por suamor perdido’ a obras como la Conversación sinfonieta, de Jean Tardieu, en la que se traían a escena temas del existencialismo, expresado en el canto incoherente de seis coristas. En prensa se registraba la perplejidad de los espectadores: “aparecían opiniones como ‘Qué interesante ver el existencialismo francés’ o ‘Esto a todo el mundo lo aburre, aquí qué vamos a ser como los franceses […] esto es muy snob’ ”, indica Aldana. La incomprensión del público condujo a los nóveles directores a explorar otras formas de montaje, que es donde reside en gran medida su carácter experimental.

Estas exploraciones, a su vez, eran posibles en la medida en que los grupos lograran autofinanciarse, es decir, ser independientes. Surgieron entonces cantidad de grupos experimentales e independientes, entre los cuales se destacó El Búho, entre otras razones, porque fue el que más tiempo se sostuvo gracias a sus mecenas. Desde el punto de vista artístico, El Búho se preocupó por traer teatro de vanguardia que en Colombia nunca se hubiera visto. “Adicionalmente, son los primeros que cuentan con personas que están pensando exclusivamente en la creación teatral: el montaje y la formación. Ellos realmente estaban innovando”, comenta la investigadora.

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La Casa de la Cultura de Bogotá

Por su parte, la Casa de Cultura de Bogotá, posteriormente La Candelaria, se formó con exintegrantes de El Búho que también buscaban “la independencia en todo sentido: creativa, ideológica, política”. Como indica Aldana, sus fundadores finalmente “tuvieron su propio espacio y buscaron la sostenibilidad del mismo”. A partir de allí, se extendió por el país un teatro de creación colectiva, como el que caracterizó a la Casa de Cultura.

Interesada desde sus comienzos en los problemas que aquejaban a los sectores más vulnerables de la sociedad –  por ejemplo, luchas populares como las de los comuneros–, la Casa de la Cultura implementó una metodología consistente en elegir un tema, investigarlo, hablar con expertos, viajar, para posteriormente hacer improvisaciones y armar varias escenas, de las que el director elegía algunas con las cuales construía un todo coherente; finalmente, se presentaba la obra y se la calibraba y ajustaba.

Este es el principal antecedente del teatro de creación colectiva, políticamente comprometido, que entre 1960 y 1970 se consolidó como el Nuevo Teatro. Solo desde entonces se habla propiamente de un arte dramático colombiano, interesado en nuestras problemáticas, que además innova en los métodos de creación artística y marca de manera definitiva la historia del teatro en Colombia.

Con esta investigación, que esclarece aspectos poco conocidos de los antecedentes del teatro moderno, se abren nuevos horizontes de interés, por ejemplo sobre el teatro universitario, y aparecen inquietudes hasta ahora no resueltas, para por fin entender por qué, si se hace teatro de calidad, la gente no asiste a las salas. Temáticas que seguramente seguirá explorando el grupo Cultura, Conocimiento y Sociedad en futuras indagaciones sobre la dinámica social del arte dramático en el país.

 


TÍTULO DE LA INVESTIGACIÓN: “El desarrollo experimental del grupo de teatro El Búho y la Casa de la Cultura de Bogotá. Transformaciones culturales en la sociedad colombiana a mediados del siglo XX.
INVESTIGADORA PRINCIPAL: Janneth Aldana | Facultad de Ciencias Sociales | Grupo de investigación Cultura, Conocimiento y Sociedad.
PERIODO DE LA INVESTIGACIÓN: 2012

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Postales de una nación que busca reconciliarse con la esperanza

Postales de una nación que busca reconciliarse con la esperanza

A pesar de que la violencia en Colombia les ha ocasionado la muerte a más de 218.094 personas, el 81% de ellas civiles, según el Centro de Memoria Histórica, la reconciliación se ha convertido en uno de los aspectos más importantes para las víctimas del conflicto armado en el país.

Por eso, con el apoyo de un grupo de investigadores de la Universidad Javeriana, más de 227 colombianos de diversas regiones del país golpeadas por la violencia y que hoy son espacios libres de guerra se atrevieron a plasmar en fotografías lo que para ellos significa la reconciliación.

Comprender cómo el concepto ‘reconciliación’ se ha configurado en los grupos víctimas del conflicto armado fue el punto de partida para que investigadores de la Facultad de Medicina de la Pontificia Universidad Javeriana desarrollaran el proyecto ‘Caras de la Reconciliación’. Una iniciativa auspiciada por la agencia para el desarrollo internacional USAID e implementada en Colombia por ACDIVOCA a través del Programa de Alianzas para la Reconciliación (PAR).

El proyecto fue liderado por Carlos Gómez- Restrepo, médico especializado en psiquiatría y decano de la Facultad de Medicina, y coordinado por la psiquiatra María José Sarmiento, quienes, junto a un grupo de investigadores, viajaron a 10 municipios de Colombia priorizados por sus altos índices de incidencia del conflicto: Apartadó, Arauca, Arauquita, Bojayá, Ciénaga, Florencia, Quibdó, San Vicente del Caguán, Turbo y Vista Hermosa. Viajaron con el fin darle voz a quienes no la tienen e identificar y caracterizar el significado de la palabra ‘reconciliación’ en cada zona a través del lente de una cámara.

“Diseñamos una serie de talleres de fotografía participativa que consistían en ir a los municipios para enseñarles nociones básicas de fotografía a los participantes –personas de la comunidad– y luego hacer un ejercicio práctico en el que debían tomar una foto de lo que para ellos significa la reconciliación”, señala Sarmiento, quien resalta: “No les enseñamos nada sobre la reconciliación durante el taller porque queríamos que el resultado fuera lo que la gente realmente piensa.

Así obtuvieron 1.600 fotografías, 200 de ellas escogidas por los habitantes de los municipios. Posteriormente los investigadores  clasificaron las opiniones de los participantes en el software NVivo 11. De este proceso fue posible describir el concepto ‘reconciliación’ en ocho categorías de análisis: acciones, actitudes, estrategias, actores, emociones y sentimientos, relación con el medio ambiente, relación con el territorio e historia y valores.

El resultado es el libro Caras de la reconciliación, una producción artística que da cuenta del antes, durante y después del proyecto, de las fotografías tomadas por los participantes y sus comentarios, la clasificación por municipio y el contexto histórico de cada lugar, al igual que las reflexiones que resultaron de la investigación.

“Con este proyecto esperamos que se puedan alinear las políticas públicas y académicas con el fin de hacernos responsables de lo que ellos quieren, necesitan y están pensando. Ahora queremos empezar a diseñar estrategias que nos permitan fortalecer los valores y fortalecer los valores y diseñar estrategias y proyectos que nos permitan llevar procesos de reconciliación en estas comunidades”, menciona Sarmiento.

Con el propósito de hacer visible los resultados de este proyecto, las fotografías estarán disponibles durante todo el mes de febrero, como una exposición itinerante, dentro del campus de la Universidad Javeriana.


Reconciliación (de la raíz latina conciliatus: “caminar juntos”)

Apartadó
El 2 de enero de 1994 fue uno de los días más tristes para Apartadó. Ese día el Frente V de las FARC ingresó a la finca La Chinita, que posteriormente se convertiría en barrio Obrero, y abrió fuego contra quienes estaban allí. El saldo de esta masacre fueron 35 personas muertas y 17 heridas.

/Bibiana Guisao Villegas.
/Bibiana Guisao Villegas.

Sin título
Foto por:
Bibiana Guisao Villegas (30 años)
“…Cuando tenemos un conflicto con otra persona, no queremos ver la otra cara. Si existe la comunicación se puede lograr la alegría. Debemos vivir en amor en este mundo tan complicado”.


Arauca
El municipio de Arauca fue víctima de una de las épocas más violentas del país luego de que, entre los años 80 y 90, paramilitares compitieran con el ELN y las FARC por el control del paso fronterizo a Venezuela. De esa lucha resultaron tres masacres en las que murieron 14 personas, un alcalde, un concejal y monseñor Jesús Emilio Jaramillo, quien fue beatificado por el papa Francisco.

/Jonathan Santiago Botero Valcárcel.
/Jonathan Santiago Botero Valcárcel.

Uniendo diferencias
Foto por:
Jonathan Santiago Botero Valcárcel  (17 años)
“Estrechando la mano es el mejor comienzo para una reconciliación”.


Arauquita
Ubicado al norte del departamento de Arauca, Arauquita ha sido uno de los lugares con mayor incidencia de grupos armados debido a las disputas de las FARC–EP y ELN por el control territorial y las economías ilegales, como el narcotráfico y el contrabando. Algunos de los actos terroristas ocurrieron en La Esmeralda y en los oleoductos de Caño Limón – Coveñas.

/Tania Peña Márquez y Edgar Franco Comas
/Tania Peña Márquez y Edgar Franco Comas

Vamos, camarita
“Significa hacer las paces con esa persona que siempre se va a aceptar a pesar de sus defectos e indiferencias, significa un lazo que no se rompe”.


Bojayá
Este municipio, ubicado en el corazón del departamento del Chocó tiene un gran registro de víctimas causadas por el desplazamiento forzado, homicidios y actos terroristas. Uno de los hechos más graves ocurrió el 2 de mayo de 2002 cuando el fuego cruzado entre las FARC y las AUC ocasionó la explosión de un cilindro bomba sobre la iglesia, lugar donde se resguardaban los habitantes del pueblo. El saldo, 79 muertos y más de 100 heridos.

/Yoofari Allin Velásquez.
/Yoofari Allin Velásquez.

La reconciliación en nuestra cultura
Foto por:
Yoofari Allin Velásquez (15 años)
“Bojayá es un ejemplo claro de que el perdón y la reconciliación sí existen”.


Ciénaga
Ubicada en el Magdalena, ha sido una de las zonas con mayor concentración de grupos armados ilegales debido a sus ventajas geoestratégicas y económicas. En los años 80, las FARC, el ELN y las AUC llegaron al lugar para apropiarse de los recursos derivados del narcotráfico, explotar el medio ambiente, instalar minas antipersonales y cobrar vacunas a ganaderos y exportadores de banano.

/Andrés Eduardo Quiroz Madrid.
/Andrés Eduardo Quiroz Madrid.

Tranquilidad
Foto por:
Andrés Eduardo Quiroz Madrid (22 años)
“Me ayuda a traer paz con solo ver los maravillosos rayos de colores que trae mi atardecer”.


Florencia
Las historias de la violencia en la capital de Caquetá tienen su origen el 14 de mayo de 1984, cuando guerrilleros del M-19 se tomaron la plaza central y dominaron el territorio. Años después y con la llegada de las FARC, este lugar se convirtió en un escenario de enfrentamientos contra las AUC y las Águilas Negras –quienes se dedicaron a hacer ‘limpieza social’–.

/Yohari Alejandra Correa.
/Yohari Alejandra Correa.

Conviviendo con alegría
Foto por:
Yohari Alejandra Correa (6 años)
“Alegría con amor y apoyo”.


Quibdó
La capital del departamento de Chocó ha sido víctima de graves actos de violencia que han llevado a reconstruir la población más de una vez. Uno de los eventos más desafortunados ocurrió el 26 de octubre de 1966 cuando un incendio destruyó toda la ciudad, seguido de la llegada de grupos armados como las FARC, ELN, AUC, EPL y, recientemente las Bacrim.

/Blanca Rosa Romero.
/Blanca Rosa Romero.

El diálogo protege
Foto por:
Blanca Rosa Romero (26 años)
“…Si nos reconciliamos con nosotros mismos será más fácil reconciliarnos con el planeta completo, incluyendo los animales, la naturaleza y el entorno que nos rodea. Así tendremos una vida mejor”.


San Vicente del Caguán
La historia de violencia en este municipio, al norte del departamento de Caquetá, se debe a que fue nombrada como Zona de Distensión por el Gobierno del expresidente Andrés Pastrana para realizar los diálogos con las FARC-EP y ponerle fin a la guerra (1999-2002); sin embargo, las conversaciones no llegaron a feliz término por lo cual se generaron violaciones a los derechos humanos, atrocidades de guerra en la zona y la estigmatización nacional del pueblo.

/Rigna Jara Embres.
/Rigna Jara Embres.

El mercado
Foto por:
Rigna Jara Embres (65 años)
“Allí encuentro con qué alimentarme, así doy gracias a Dios pues mi corazón está alegre, por lo que puedo dar alegría y paz a quien me rodea”.


Turbo
Este municipio es uno de los más grandes de la región del Urabá y, a la vez, uno de los más azotados por la violencia en el país. La bonanza marimbera y cocalera de los años 70 e inicios de los 80 ocasionó la proliferación de grupos guerrilleros y paramilitares, y con ello también el narcotráfico. De ahí, la aparición de grupos armados como las FARC – EP y el ELN que luchaban por hacerse cargo del manejo de droga.

/Yurledis Carvajal Rivero y Over Luis Puerta.
/Yurledis Carvajal Rivero y Over Luis Puerta.

Entre familias
Foto por:
Yurledis Carvajal Rivero (30 años) y Over Luis Puerta (40 años).
“Elegimos esta foto porque en ella está representada la unión entre las familias, el compartir y brindarnos apoyo mutuamente”.


Vista Hermosa
Este municipio del Meta ha sido altamente codiciado por grupos al margen de la ley dadas sus condiciones geográficas y la proliferación de cultivos ilícitos, lo cual ocasionó el desplazamiento forzado de la población. Además, al haber sido nombrada como Zona de Distensión durante el gobierno de Andrés Pastrana y el estereotipo negativo que surgió de ello, los habitantes decidieron abandonarla.

/Gloria Esperanza Mesa y Ester Julia Rada.
/Gloria Esperanza Mesa y Ester Julia Rada.

Paz y reconciliación
Foto por:
Gloria Esperanza Mesa (53 años) y Ester Julia Rada (47 años)
“En la época del conflicto crudo, los habitantes de la margen derecha no podían pasar a la izquierda porque eran ajusticiados y así sucesivamente. En un día la guerrilla pasó más de 200 personas, de las cuales regresaron tres. […] Hoy en día respiramos esa paz tan anhelada y podemos decir que estamos en reconciliación con todos los habitantes de todas las veredas”.

Breve recorrido por el arte oculto del ‘Museo Bogotá’

Breve recorrido por el arte oculto del ‘Museo Bogotá’

El espacio público de Bogotá es como un gran museo que alberga obras de arte recientes y otras de hace más de 100 años. A lo largo de calles y avenidas, ellas hablan de la historia de la ciudad, de las relaciones y sentidos que establecen los ciudadanos y el Estado con ellas… Algunas demuestran cuidado y sentido de pertenencia, otras están en completo abandono.

La Secretaría de Cultura indica que existen cerca de 700 esculturas y monumentos en las calles capitalinas, una gran parte de las cuales se encuentra ubicada en la Calle 26 y en la Carrera 7ª, vías que históricamente han sido relevantes para Bogotá. Estas piezas suscitan todo tipo de interacciones: desde las que son veneradas, visitadas y aseadas; las que llaman la atención y generan curiosidad pero de las que el ciudadano poco sabe; las que tienen buen lejos, pero que de cerca exponen desgaste y abandono por múltiples motivos (como que están siendo afectadas por la lluvia y el sol) y, otras –además– porque están cubiertas por grafitis y carteles publicitarios.

El proyecto de creación artística Geografías Ocultas, liderado por Jainer León, profesor del Departamento de Artes Visuales de la Pontificia Universidad Javeriana, buscó generar una reflexión entre los estudiantes –y que se extendiera también a toda la ciudadanía– para revelar, a través de lo visual, detalles ocultos en las superficies de las esculturas, sus texturas, relieves y gestos. “Estos componentes del lenguaje plástico que acompañan la forma visual de estas esculturas pasan desapercibidos para los transeúntes”, explica el investigador León.

Geografías Ocultas expone, sobre todo, reflexiones asociadas a los criterios bajo los cuales una obra se ubica en un espacio, a partir de la pregunta: ¿arte en espacio público o arte para el espacio público? Así, el ejercicio de observación puso en evidencia que muchas obras no son pensadas para motivar conexiones, diálogos, interacciones y encuentros con los transeúntes, sino que son ubicadas en lugares incluso inaccesibles para las personas.

Algunas de ellas se encuentran en lugares de alto tráfico, donde la gente no tiene acceso (como una parte de las esculturas de la Calle 26), en algunos casos hay malos olores, inseguridad y vandalismo. El llamado de atención del proyecto es hacia el papel que cumple o debería cumplir la obra de arte en el espacio público, dado que, como recalca León, “estos objetos se instauran para generar memoria y promover la identidad”. Y lo que está ocurriendo, en muchos casos, es que han sido invisibilizados y poco cuidados.

León propone apostarle a obras pensadas para el espacio público, lo que implica tener en cuenta las características del lugar, el Plan de Ordenamiento Territorial existente y los usuarios que se vincularán directamente con el objeto. “Se necesitan obras para la lúdica, para el descanso, que promuevan otro tipo de relación a la que genera la obra colocada en un pedestal”, agrega el investigador.


EL ‘MUSEO BOGOTÁ’

De las 61 esculturas analizadas por el investigador León, Pesquisa Javeriana destaca ocho que bien vale la pena mirar con atención.

Carrera Séptima

Museo 1
1. Homenaje a Gandi
Técnica:
Ensamblaje
Ubicación: Carrera 7ª con Calle 100
Chatarra hecha arte, así podría definirse Homenaje a Gandi, una de las obras más importantes de la fallecida escultora colombiana Feliza Bursztyn. La pieza, que pesa cuatro toneladas, ha estado varias veces en riesgo de desaparecer por culpa del vandalismo. Esta obra de arte expone diferentes grados de oxidación, pues, antes de unirse, cada una de las piezas tenía una historia distinta.


Museo 2 P
2
. Ciervos
Técnica: Bronce fundido
Ubicación: Carrera 7ª con Calle 72
En pleno corazón financiero de Bogotá y en medio de altos edificios, pastan tres ciervos; alguno, incluso, mira desprevenidamente al transeúnte. El artista colombiano Nadín Ospina, su autor, es reconocido por sus obras de arte inspiradas en el arte precolombino, mezcladas con personajes de la cultura popular como Mickey Mouse y Bart Simpson.


Museo 3
3
. Rita 5:30 p.m.
Técnica:
Ensamblaje en acero
Ubicación: Carrera 7ª con Calle 39
Rita es la mujer negra que acompaña a los transeúntes y vendedores ambulantes del Parque Nacional. Se apellida 5:30 p.m. porque para Enrique Grau, su autor, esa es la hora más feliz del día: es el momento en que termina el trabajo. Ella llama la atención por su gran tamaño y su liguero. “Rita alberga en sus piernas de bronce grafitis de enamorados y demonios, lo hace con paciencia y amor, porque en sus piernas negras y voluptuosas solo hay espacio para la tristeza y el desahogo”, describe una ciudadana, Andrea Corredor, en su blog.


Museo 4
4
. Fuente con reproducción del Mono de la pila
Técnica: Talla
Ubicación: Calle 27, entre carreras 7ª y 10ª
Esta fuente es la reproducción de la obra original (siglos XVI y XVII), en su momento muy significativa para la ciudad porque fue su primera fuente pública de agua. La figura desnuda que aparece en la parte superior sería San Juan Bautista. El apelativo de ‘mono’ podría provenir de la expresión popular para referirse a extranjeros o personas de cabello claro. La famosa frase “vaya a quejarse al mono de la pila” indicaría lo improductivo de las quejas hacia la incompetencia de los gobernantes de la Nueva Granada.


Calle 26
Museo 5
5. Cronos
Técnica: Talla
Ubicación: Portal del Cementerio Central
Muchos lo confunden con Hades, dios griego relacionado con la morada de los muertos, o con la muerte misma, pero realmente la escultura que está en el portal de la entrada del Cementerio Central es del rey griego del tiempo: Cronos. La obra, elaborada por el suizo Colombo Ramelli, se inauguró en 1906. Su brazo derecho está apoyado en un reloj de arena mientras su mano izquierda sostiene una guadaña, símbolo de que el tiempo se agota y la vida llega a su final. Lo acompaña la frase Espectamus resurrectionem mortuorum (esperamos la resurrección de los muertos).
Museo 6
6. Leo Kopp
Técnica: Bronce fundido
Ubicación: Cementerio Central de Bogotá
¿Le parecería extraño escuchar que la gente le habla al oído a una escultura para pedirle algo? Es la escena diaria en el Cementerio Central, donde reposa la escultura realizada por el colombiano Víctor Machado, sobre la tumba de Leo Kopp. La figura, que está inspirada en la imagen de El Pensador de Rodin, es una especie de santo popular que tomó fuerza a raíz de la fama de buen empleador que tuvo Kopp, fundador de la cervecería Bavaria. La leyenda urbana indica que se debe frotar para sacarle brillo y pedirle, al oído y con fe, trabajo.
Museo 7
7. La ventana
Técnica: Mixta
Ubicación: Calle 26 con Carrera 92
En esta obra, hecha en lámina de hierro pintada, es posible observar un cuadro vivo de la ciudad que cambia según la hora, el clima y el ángulo desde el cual se le mire; este portal, del artista colombiano Carlos Rojas González, es un dibujo tridimensional en el que no hay un adentro ni un afuera: todo es paisaje.
Museo 8

8. El Viajero
Técnica:
acero pintado
Ubicación: Calle 26, vía al Aeropuerto Internacional El Dorado
Al ir de afán para el Aeropuerto, resulta casi inevitable sentirse identificado con este hombrecillo gigante, de paso largo y aspecto ejecutivo. Su creador es el artista argentino Antonio Segui, en cuya obra pictórica es posible observar en repetidas ocasiones a este mismo personaje de ‘cabello engominado gardeliano’. Al verlo en detalle se puede detectar que, mientras camina, parece estar haciendo ‘pistola’. También es visible su deterioro.

 

PESQUISA-JAVERIANA-42-BAJA

 

Para leer más
http://catalogodeobras.javeriana.edu.co/catalogodeobras/items/show/7
http://geografiasocultas.wixsite.com/geografiasocultas


TÍTULO DE LA INVESTIGACIÓN-CREACIÓN: Geografías Ocultas
INVESTIGADOR PRINCIPAL: Jainer León
Facultad de Artes
Departamento Artes Visuales
Pontificia Universidad Javeriana
PERIODO DE LA INVESTIGACIÓN: 2014

Sabanas “gemelas”

Sabanas “gemelas”

Hay dos fotografías aparentemente iguales. En las dos hay un caballo y una silla para montarlo; dos jinetes usando un sombrero y de fondo, vegetación: paisajes que representan a dos sabanas colombianas. Una, ubicada en Córdoba, Sucre y Bolivar; otra, en la región de los Llanos. Fue Juan David Anzola, artista visual de la Pontificia Universidad Javeriana, quien las capturó. Fue también él quien realizó varios viajes por algunos departamentos del país, pasando por Montería, Sincelejo, Sahagún, San Antonio de Palmito, Corozal, San Pedro, Puerto López, Yopal, Trinidad del Pauto, Maní, Hato Corozal, Orocué y otros cuantos lugares del norte y este de Colombia.

Anzola viajaba solo en busca de tierras ganaderas. “Yo iba a conocer las fincas y a hablar con la gente”, cuenta. En las dos regiones fue muy bien recibido por las personas que iba contactando viaje tras viaje, “la visita nunca duerme en la cama de uno, pero así me recibieron algunas veces”. Lo invitaban a enlazar el ganado, a pescar, a hacer el almuerzo, a sacar los caballos de las caballerizas. Él decía que sí a todo cargando a veces con su cámara, y otras con su libreta de dibujos o su grabadora para captar sonidos. Luego empezó a buscar eventos como festivales y carreras de caballos, todo lo que le diera pistas acerca de la cultura sabanera.

Así fue recolectado diferencias y semejanzas. Parecidos como que tanto en el Llano y en la Costa cantan al ganado para calmarlo, que ambos grupos de sabaneros tienen “ese amor profundo por su territorio”, la costumbre de la vaquería y la vida campesina, o que la música típica tiene su orígen en el canto al ganado. También oposiciones como que el sabanero de la costa es más alegre y lujoso mientras que en el Llano, al ser un terreno agreste, el sabanero se siente vulnerable y, por lo tanto, es más austero y rudo. En la forma de comer también hay ciertas diferencias: en la costa está la costumbre de comer bollo y suero costeño, mientras que en el Llano se come carne en todas sus variables por lo que, según Anzola, el llanero siempre carga con su cuchillo, que es de uso personal, para comer; además, se come rápido a diferencia de la Costa, donde se come más despacio y con cuchillo prestado.

Como evidencia de esos parecidos y disparidades quedaron dibujos, fotografías, videos y audios. Anzola unía en un solo son los cantos y los sonidos del viento y los pájaros llaneros y costeños. Con eso, simbólicamente, también estaba uniendo dos culturas y dejando muestra de cómo se vive un mismo estilo de vida en dos zonas del país.

Hace más de cinco meses, Anzola decidió abrir un grupo en Facebook en el que ya hay más de 1.700 miembros que son sabaneros de la Costa y el Llano. Este medio se ha convertido en un punto de encuentro de las dos sabanas para crear diálogos; es allí donde ahora los mismos sabaneros comparten fotografías, videos o experiencias de su cultura.

Así, este artista cumplió con la misión de esta investigación que presentó como su trabajo de grado: hacer que los sabaneros del Llano y de la Costa se entendieran y conocieran que, si bien las dos zonas no son iguales, del otro lado del país también existen personas que se hacen llamar sabaneros y viven en torno a una misma pasión. La cercanía de Anzola con los sabaneros y el compartir con ellos también fue una manera de lograr su propósito. Se sentaba con habitantes del Llano y les mostraba una canción típica de la Costa. “Uy, eso es una vaina muy llanera”, le decían.

Así empezaba a crear esa conciencia en la mente de los sabaneros y a ellos les gustaba. Las reacciones fueron buenas, “a la gente le gusta ver que hablen de lo que ellos hacen”, y entonces ellos también hablan horas y horas de caballos, del ganado, de la música”, y diariamente, desde las dos sabanas, le envían más fotos, más videos y más historias sin que las pida.

El ganado, un elemento fundamental que une la cultura sabanera del Llano con la de la Costa Caribe.
El ganado, un elemento fundamental que une la cultura sabanera del Llano con la de la Costa Caribe.

Anzola, como persona, aprendió desde afilar un cuchillo hasta poner una teja, a ayudar o “al menos a no estorbar”, como él dice, y, sobre todo, a apreciar ese conocimiento. Como artista, aprendió a analizar, develar y entender las imágenes que obtenía de las dos sabanas. Para él, las fotografías son tanto del fotógrafo como del fotografiado, así que devolvía todas las que tomaba a las personas para que fueran ellas quienes las conservaran. “Yo iba a tomar relatos, fotos y dibujos, ¿qué tiene que devolver uno? Todo lo que obtuvo. Eso es un punto central”, dice, añadiendo que ese acto de reciprocidad fue siempre muy importante en cada lugar que visitó donde le ofrecían todo sin esperar nada a cambio.

Para el artista, este trabajo también fue la oportunidad de volver a vincularse con el campo, puesto que sus abuelos fueron campesinos, al igual que explorar un tema que lo apasiona, razón por la que inicó la investigación desde varios años atrás. Sin duda, vendrán nuevos viajes que lo seguirán induciendo cada vez más en ese mundo de la cultura sabanera.


TÍTULO DE LA INVESTIGACIÓN: Sabana- Sabana
INVESTIGADOR: Juan David Anzola Rodríguez
Facultad de Artes Visuales
PERIODO DE LA INVESTIGACIÓN: Enero a junio de 2017 (con muchos viajes previos)

El arte, una forma de sanar y perdonar

El arte, una forma de sanar y perdonar

En un mismo día le propusieron dos proyectos con propósitos parecidos. El primero, trabajar con la Unidad para la Atención y Reparación Integral de las Víctimas en la producción de una serie de microdocumentales de reparación colectiva sobre 25 pueblos en Colombia; el segundo, realizar un documental sobre el Grupo por la Defensa de Tierra y Territorio en Córdoba (GTTC) para el Centro de Investigación y Educación Popular (CINEP). “No los busqué, pero llegaron a mí”, afirma Ana Camila Jaramillo, realizadora audiovisual desde hace cinco años y actual estudiante de Sociología de la Pontificia Universidad Javeriana. Ella aceptó ambos.

Fueron 14 meses de entrevistas con las víctimas, grabaciones, edición y viajes a Sucre, Magdalena, Cesar, Córdoba, Antioquia, Nariño, Valle del Cauca, Amazonas y Cundinamarca. Ana cuidó los detalles que consideraba importantes para los microdocumentales. Por ejemplo, registrar que Don Miguel, un señor que vive en Córdoba, siempre asistió a todas las reuniones con un periódico que cuenta la noticia de una masacre en su región, y que guarda desde entonces. Además, en su posición de observadora, se dio cuenta de que había un factor común: en cada una de las zonas que visitaba, las víctimas creaban obras de teatro y danzas, escribían poemas, componían canciones, tejían y pintaban dibujos que relataban las historias por las que ellos y sus regiones vivieron, como si esas expresiones artísticas fueran una necesidad que sale naturalemente de ellas.

 “Ayer lloraba un abuelo,
entonces le pregunté
por qué es que lloras mi viejo,
por qué es que llora usted.
Yo quiero vivir en paz, el abuelo contestó.
También yo quiero regresar
allá de onde vine yo”
Relato de Pedro Ramón Gonzáles, en Córdoba.

Así, su cámara se fue llenando de grabaciones de versos como Anhelos y Esperanza, de Germán Agámez, y fue conociendo expresiones como las obras de teatro de la organización juvenil Talento y Futuro, que son creadas para recordar, mejorar y construir realidades nuevas porque “así, como se construye un guión para una obra de teatro, se lo construye para la propia vida”, según Ramón García, uno de sus integrantes.

En un semillero sobre el desarraigo y justicia social que se llevó a cabo en la Pontificia Universidad Javeriana, Ana explicó que los trabajos que realizó no solo se trataron de empoderar a las víctimas con la cámara sino colaborar en conjunto con ellas para hacer un reconocimiento de emociones y atmósferas que sean transmitidas. De esa manera, buscó la perspectiva de las víctimas pero también la de ella como artista externa a las diferentes historias. “El artista puede ver cosas que una víctima, como lo vivió, no lo puede analizar de la misma forma. Esas dos visiones en conjunto son las que se necesitan y las que apoyan a un país en posconflicto”, asegura.

“Resistente en él estoy,
de mi pueblo yo no me voy.
Esta vieja trocha por donde voy
me atrapa el recuerdo de lo que soy.
Supervivientes con corazones de valientes
soportamos la violencia y nos apodan resistentes.
¡Valientes! Eso gritaba mi gente,
cuando ya estaba cansada
del maltrato delincuente”.
Fragmento de la canción Supervivientesdel grupo de rap Afromúsica, en Sucre.

“El desarraigo es una pérdida de sentido, tanto simbólico como físico, y desde Aristóteles el arte es un acto de reconocimiento”, dice Ana. Así, concluye que esas diferentes expresiones artísticas que fue encontrando son una forma que tienen las víctimas de construir ese sentido perdido, hacer catársis y perdonar.

El arte puede ser de mucha ayuda para los lugares que han pasado por periodos de extrema violencia y las producciones audiovisuales pueden aportar a que esas historias no solo sean conocidas, sino que por medio de ellas se visualice el porvenir y la superación de las distintas situaciones por las que han pasado las víctimas.

Realizar estos trabajos le ha dado pie a Ana para cuestionarse sobre la historia del conflicto armado, la función que la producción audiovisual tiene en la construcción de esa historia, el problema de difusión que existe con este tipo de proyectos y el porqué no son tan conocidos en un país que está en pleno posconflicto; sin embargo, haber trabajado en ellos la ha encaminado para querer seguir haciendo de la producción audiovisual y la sociología su proyecto de vida.