PRIMER COLOQUIO

HISTORIA DE LAS ARTES VISUALES

En el campo artístico local la producción en historia del arte, la realización de exhibiciones, y algunas prácticas de mercado y gestión, han estimulado el intercambio y circulación de las artes visuales generando diversas plataformas para la producción de conocimiento dinamizando las prácticas artísticas. Así mismo, la historia del arte fue impulsada por agentes vinculados a instituciones académicas y museos de arte moderno y contemporáneo que desde los formatos de exposición y/o publicaciones permitieron la emergencia de diversas narraciones sobre el arte. Convocamos presentaciones que reflexionensobre las relaciones entre la práctica historiográfica, la crítica del arte, la organización de exposiciones y otras formas de circulación artística en relación con instituciones del campo, sus agentes, y aportes desde el contexto local y regional.

Invitado Internacional

(4:00 pm)  Mijail Mitrovic Pesec. Pontificia Universidad Católica del Perú, Facultad de Arte y diseño

Extravíos de la forma: espacio social, crisis y utopía en Lima (1976-1988)

 Esta charla se pregunta por cómo los procesos que redefinieron el vínculo arte-sociedad en Lima durante los 70 lograron configurar, por un momento, un espacio social donde la visualidad cumplió un papel estructurante del imaginario colectivo. Posteriormente, se discute el devenir de aquel espacio frente a las crisis económicas, políticas y urbanas de los 80, así como la conversión de la experiencia de revuelta de la década previa en una imagen utópica que hasta el presente alimenta la imaginación histórica del arte peruano.

(5:20 pm)  Paola Peña Ospina. Investigadora Independiente

Sobre Arte: Carlos Echeverry y el arte correo.

 Sobre Arte, fue una revista fundada por los artistas Carlos Echeverry y Beatriz Jaramillo, en la ciudad de Medellín en 1980, quienes hicieron parte de la segunda generación de artistas conceptuales en Colombia. Con la publicación de esta revista impulsaron una ruptura con el monopolizado espacio institucional local. Su apuesta fue abrir un espacio a tendencias poco exploradas en el país como la experimentación con los cruces gráficos entre imagen y palabra, el arte correo y la poesía visual. Sobre Arte tenía una línea editorial clara, relacionada con el pensamiento crítico y afirmativo que se había consolidado en las últimas décadas en el continente, comprometido con una nueva historiografía y unas prácticas del arte latinoamericano entendidas desde su contexto local, donde lo local era pensado como un espacio estratégico para construir un conocimiento antiacademista y contrahegemónico. La ponencia da cuenta de este proyecto de investigación que narra una historia aún no contada, a través del análisis de esta inusual revista.

 (5:35 pm)  Madeleine Villamil Pineda. Investigadora independiente

Las disonancias en el arte sonoro y las convergencias de la plástica sonora en Bogotá, Colombia

El sonido es un espacio para la creación, la disidencia, la experimentación y la visualidad. Desde los fundamentos actuales de las prácticas y escenarios del arte contemporáneo hoy podemos hacer estas afirmaciones, pues ya comprendemos la trayectoria del sonido como materia creadora visto en obras que evidencian estos postulados como Drive in music de Max Neuhaus o los múltiples procesos sonoros en piezas de artistas colombianos como es el caso de Leonel Vázquez. Durante el siglo XX el sonido inicio un largo trasegar en los circuitos artísticos comunes del arte, para finalmente situarse en el ámbito artístico local durante las últimas décadas de dicho siglo en Colombia y que en los últimos años ha propiciado un nicho de artistas de distintas generaciones que vinculan el sonido como eje central de su práctica artística. Al ser compuesto, complejo, descriptivo y en ocasiones críptico, el sonido en las artes visuales configura mi proyección en el campo de la investigación, la cual es una convergencia de varios postulados del sonido como elemento de creación, exhibición y eje de pensamiento. Se trata también de un análisis historiográfico del arte sonoro en Colombia y los planteamientos curatoriales propios de un sistema de exhibición que se gesta desde la unificación de varios artistas y obras que esencialmente se instauran en lo sonoro o, por el contrario, repelen ser denominados dentro del mismo. Para la comprensión de esta investigación su temporalidad se fundamenta desde archivos concernientes a ciclos de música contemporánea, exposiciones y coloquios que hicieron referencia a la trasformación del sonido en Colombia y que desembocan en este lenguaje artístico que data desde finales de los años ochenta hasta la presente década.

(5:50 pm)   María Clara Cortés. Instituto de Investigaciones Estéticas, Universidad Nacional de Colombia, sede Bogotá

Paisajes expuestos

¿Cómo ha cambiado el género del paisaje en el arte colombiano contemporáneo? ¿Captan las obras dedicadas al paisaje las problemáticas del entorno que nos rodea? ¿Qué nuevos elementos hay en su narrativa? 

En Colombia, en las últimas décadas se han producido una serie de cambios en la relación que los artistas han tenido con la naturaleza que se evidencia en sus obras; se trata, en conjunto, de una serie de propuestas que a partir de innovaciones en las poéticas, la simbología y el uso de metáforas evidencian problemáticas y plantean críticas a la forma como los seres humanos nos estamos relacionando con nuestro ambiente. Simultáneamente se han llevado a cabo una serie de exposiciones en diferentes escenarios que, centradas en el paisaje, evidencian nuevas definiciones del género y de forma no explícita, llevan a plantear preguntas sobre la repercusión crítica de las obras que tratan esta problemática cuando son llevadas a un ámbito expositivo. Entre esas exposiciones se encuentran Madre

Tierra amotinada (Museo de Arte Moderno de Bogotá, 2016), el 44 Salón Nacional de artistas colombianos (Pereira, 2016), Decir el lugar (BLAA – Centro cultural de Manizales, 2017) y Universos desdoblados en el contexto del último Salón Nacional de artistas (MAMBO, 2019)). En esta ponencia propongo dar una mirada a algunos aspectos de esas exposiciones y a una selección de obras que permiten identificar problemáticas inquietantes; haré referencia a la definición de paisaje de Tim Ingold como una unidad procesual, cambiante y compleja en donde se entrelazan todos los seres como líneas en una malla.

(6:30 pm)   Laura Fajardo Leal. Maestría en Estudios Artísticos, UDFJC

Agenciamientos de la cultura y las artes visuales en Bogotá: tras la ciudad creativa y maniobrada de Distrito Graffiti

Las intenciones de intervenir el espacio público desde la acción directa, así como los diversos intereses de la administración distrital y las instituciones culturales que integran la ciudad de Bogotá, viabilizan la creación de Portafolios Distritales de Estímulos para la Cultura que, para el caso particular, promueven el desarrollo de propuestas de acción artística en la capital. Bajo estas premisas, surge la iniciativa Distrito Graffiti que admite una discusión sobre los modos institucionales de circulación de la cultura y, en concreto, de la producción visual en espacio público en dos perspectivas a saber: por un lado, la intención de transformar el panorama industrial de la localidad de Puente Aranda en un circuito artístico y por otro, el fortalecimiento del “arte urbano responsable” a través de la creación visual como una suerte de “artefacto” dinamizador del turismo cultural; aquello que, sin lugar a dudas, admite una lectura en clave de representación como un problema de discurso, política y poder. Así las cosas, esta presentación analizará las formas como la producción visual en esta localidad –vista desde una perspectiva de discurso hegemónico-, actúa como un dispositivo de normatización del espacio público y de disciplinamiento de la visión donde el muro está dispuesto al marco ideológico de las administraciones de turno reproduciendo la idea de “democratización cultural” bajo una representación de dicha cultura como objeto de goce y contemplación.

(6:45 pm)   Lechedelamujeramada.colectivo

María Stella Romero Cala/María Fernanda Mora del Río

Mulieris Dignitatem -nacidas en los 80´s- Curaduría independiente como activismo femenino

Esta charla busca socializar el proceso de un ejercicio curatorial independiente como mecanismo de activismo. En el año 2019 el colectivo Lechedelamujeramada inicia una investigación sobre mujeres artistas, como resultado esta indagación arrojó una exposición que reunía el trabajo de 21 artistas contemporáneas nacidas durante la década del 80 en Colombia. De esta manera, la condición de nacer durante este decenio se convirtió en un parámetro que evidenció los puntos de encuentro en las formas de producción de este grupo poblacional de artistas.

La exposición Mulieris dignitatem –nacidas en los 80- condensó alrededor de las prácticas artísticas un dispositivo de denuncia, evidenciando la desigualdad e inequidad que marcan la condición y la participación femenina en la esfera del arte contemporáneo en Colombia. Aunque a nivel público y privado las ofertas de becas, estímulos y convocatorias suelen ser equitativas para hombres y mujeres es notorio que el número de hombres en exposiciones generalmente es mayor al número de mujeres. Estas cifras llegan a ser inquietantes teniendo en cuenta que las facultades de artes cuentan con un mayor número de mujeres. Es por eso que esta exposición se propone como una plataforma para mostrar e impulsar los procesos artísticos de esta generación mujeres adultas.

La exhibición muestra las implicaciones de crecer en un periodo influenciado por la segunda ola del feminismo en el contexto global, perfilado por factores como la violencia, el narcotráfico, el catolicismo, la apertura económica, el cambio de constitución, el desarrollo tecnológico/científico, la influencia de la cultura norteamericana, la noción de familia a partir del auge del divorcio y el auge del modelo familiar monoparental con la figura “mujer cabeza de familia”. Las obras que componen la muestra cuestionan y reconfiguran los roles de género estereotipados.

https://lechedelamujeramada.tumblr.com/

https://lechedelamujeramada.

(7:00 pm)   Diana Marcela García. Investigadora independiente

La exposición como obra de arte visual. El caso del Museo de Bogotá

Museo de Diseño y Moda de Lisboa, y Ana Tostões, quienes plantean que las exposiciones de los museos pueden comprenderse como obras de arte en sí mismas. Las autoras afirman que el diálogo entre las piezas, entre ellas y con los demás elementos que componen la exposición (arquitectura, materiales, colores y acabados; textos, mobiliario, iluminación, circuito de exhibición, etc.), generan un ritmo y una perspectiva visual que deviene en una obra de arte paralela que es experimentada por cada visitante de manera diferente.

A partir de este concepto, la presentación busca comentar el proyecto de curaduría, diseño y producción de la exposición permanente del Museo de Bogotá, inaugurada en junio de 2019, entendiendo este proceso como la creación colectiva de una obra de arte visual, que intenta transmitir un mensaje (o varios) por medio de un espacio dispuesto para la experiencia del sujeto con las objetos, y con otros recursos materiales y audiovisuales, en un momento y lugar determinados.

Siguiendo a Coutinho y a Tostões, se entiende la exposición como una instalación que implica el relacionamiento con aspectos cognitivos y emocionales de los visitantes. Esta interacción no solo se expresa por medio de la relación con los dispositivos expositivos (evidentes o no), sino que es amplificada gracias a la experiencia de mediación entablada entre los visitantes y el equipo de área educativa del museo.

(7:15 pm)   Antonio José Caro Lopera. Artista visual independiente

Alerta Naranja

 Como ciudadano y como agente cultural quiero expresar públicamente mi pensamiento con respecto a la política cultural del actual gobierno, específicamente, a la llamada: Economía Naranja. Antes de continuar debo advertir que el proyecto “Alerta Naranja” es la enunciación de algunos de mis criterios personales que no involucran ni al Coloquio, ni a la Universidad Javeriana.

La cultura es el factor determinante del desarrollo material, mental y social de la humanidad. Entiendo el arte como una más de las manifestaciones culturales de la humanidad, por lo cual, reflexionar sobre la cultura es, indirectamente, reflexionar sobre el arte. En los albores dela humanidad primero fue la cultura. Después, gracias a cierto dominio de lo material, se conformó el poder. Poder que constituyó el Estado. El Estado instauró la política como herramienta para manejar y someter a la sociedad.

Luego, el Estado acuñó la moneda, con base en la moneda, nació el capital, capital que a su vez creo la necesidad de su propia reproducción: la ganancia. Mirar o enfocar la cultura desde el aspecto del beneficio económico no solo demuestra inmediatez y miopía si no, lo más grave: ignorancia total sobre los aspectos más importantes e intangibles de cohesión y desarrollo social que tiene la cultura 

ARTES VISUALES Y ECOLOGÍA INTEGRAL

Actualmente nos encontramos en un momento donde resulta crucial reflexionar sobre el medioambiente y la sustentabilidad de la vida en sus múltiples formas. Desde la ecología integral la naturaleza y el hombre se comprenden como parte de un todo y en consecuencia no hace diferencia entre la crisis social y la crisis ambiental. Las artes visuales pueden ser un campo de reflexión y transformación de nuestra relación con la naturaleza, con la tierra, y los diversos seres vivos, entre ellos, los seres humanos. Invitamos presentaciones que reflexionen sobre el rol de prácticas artísticas y la producción visual en la transformación de modos de vida actual en busca del bien común, la dignificación de los excluidos, y el cuidado de la casa común como aportes que mitigan la crisis socio-ambiental.

Invitada Nacional

(4:00 pm)   Mónica Restrepo Herrera. Instituto Departamental de Bellas Artes, Cali

El barro como gesto

En esta charla abordaré una serie de trabajos, alrededor de la idea de performar el documento y en específico, a pensar como el barro, que ha sido un material con el que he estado trabajando desde el 2012, puede ser investigado, pensado, performado como documento. Lo que me intriga de esta idea es que desde sus propiedades materiales, gestos y capas temporales el barro es una materialidad basada en el tiempo ya que dependiendo de su estado, efímero o duradero, puede convertirse en una huella, un objeto o incluso un texto. Es una materialidad que contiene memoria, ya que se puede grabar en ella distintos tipos de informaciones y acciones. De esta indagación salen trabajos como “De mala gana”, “Repertorio”, “Aparecida, variaciones sobre la pierna perdida de la Patasola”, “Perder algo, recuperarlo y conscientemente perderlo de nuevo” y “ Flor o florero”. 

(5:20 pm)   Mario Omar Fernández Reguera. Departamento de Artes, Universidad de los Andes

Las artes visuales y el patrimonio cultural conectando comunidades

La presentación tiene como objetivo compartir la experiencia de los proyectos transdisciplinarios de investigación y creación sobre el patrimonio cultural colombiano realizados en tres municipios de diferentes regiones de Colombia: Ambalema, Tolima; Monguí, Boyacá; y Ciénaga de Oro, Córdoba. Estos proyectos han sido liderados desde el Departamento de Arte de la Facultad de Artes y Humanidades y han contado con la participación de diversos profesores y semilleros de estudiantes de la Universidad en regiones de Colombia.  Por su parte, las artes visuales han servido como agentes activadores de procesos de valoración y apropiación social del patrimonio cultural. Por otra parte, el patrimonio cultural, entendido como un objeto vinculante entre generaciones de colombianos y portador de memoria, ha servido como vehículo para generar procesos de integración social de diferentes actores. Asimismo, el trabajo conjunto de las comunidades locales con grupos de estudiantes y profesores a través de las artes visuales ha permitido el desarrollo de diferentes dinámicas, muy diferentes en cada uno de los casos. Vale mencionar que estos tres proyectos continúan en los municipios y que nuestro objetivo es poder realizar experiencias similares en otras regiones de Colombia.

(5:35 pm)   Semillero Estudios de la Imagen y Prácticas de Lectoescritura. Pontificia Universidad Javeriana, Facultad de Ciencias Sociales

Interculturalidad, usos y apropiación de las artes visuales en el proyecto Narraciones del Territorio Wayuu. 

La ponencia busca presentar algunos de los productos resultantes del proyecto Narraciones del Territorio Wayuu, realizado en el marco de la Beca San Francisco Javier otorgada por la Vicerrectoría de Investigación de la Universidad Javeriana al Semillero Estudios de la Imagen y Prácticas de Lectoescritura (SEIPLE).  Durante el año 2018 y 2019, dicho proyecto se propuso visibilizar y apoyar el fortalecimiento de la cultura Wayuu a través de estrategias pedagógicas creativas, y afianzar el uso de la lengua castellana al tratarse de una comunidad que se desenvuelve en un contexto intercultural. Como equipo nos propusimos facilitar por medio talleres dirigidos a las y los estudiantes del colegio Uriyunakat, el uso y apropiación de herramientas de comunicación como la escritura, la ilustración, la fotografía y lo audiovisual, para construir y representar relatos sobre su cultura, su cosmovisión, sus prácticas y su territorio. Así, del uso y la apropiación de estos lenguajes por parte de las personas que participaron en los talleres, surgieron cuestionamientos y propuestas que, aunque no estuvieron contempladas en un principio, permitieron una discusión más profunda sobre el potencial del dibujo, el color y las texturas como lenguaje expresivo en espacios interculturales, así como el trabajo conjunto y colaborativo entre el equipo del semillero, las maestras del colegio y, las y los estudiantes de la comunidad de Uriyunakat.

(5:50 pm)   Rosario López Parra . Facultad de Artes, Universidad Nacional de Colombia          

Ciudad de piedra, un acercamiento artístico al paisaje geológico en el  departamento del Guaviare

La Ciudad de Piedra es una formación rocosa presente en el Parque Nacional Natural Sierra de La Macarena, ubicada a 20 kilómetros de distancia del casco urbano. Es un lugar emblemático que por su definición morfológica y sus implicaciones políticas y socio ambientales que esta zona del país ha experimentado en los últimos tiempos, resulta un objeto de estudio de mucho interés para este grupo de trabajo. En esta conferencia se expondrán los avances de esta investigación interdisciplinar que propone un cruce de miradas entre la escultura contemporánea y la geología. Analizando la zona geográfica de la Serranía de La Lindosa y sus alrededores en el Departamento del Guaviare este grupo de investigación conformado por Geólogos y Artistas Visuales, se ha propuesto encontrar elementos comunes de investigación entre el arte y la ciencia. Plantearemos nuestra reflexión en torno al paisaje y a la diversidad de formas que en .l existen, utilizando la documentación fotográfica, el dibujo al aire libre y la recolección de muestras de rocas y demás datos geológicos, como herramientas interdisciplinares que nos han ayudado a establecer cruces metodológicos a lo largo de nuestra investigación. Como grupo interdisciplinar, nos interesa estudiar la Ciudad de Piedra, por sus características geomorfológicas y su estado de preservación natural como un objeto de derechos patrimoniales. Este grupo de rocas se erigió. en el paisaje por la interacción de fuerzas internas y externas de la Tierra alineándose en un entramado de calles y avenidas y de ah. el nombre que le fue otorgado. La Ciudad de Piedra es para nosotros un lugar misterioso por su formación, tamaño, disposición en el lugar y composición, lo que nos ha permitido establecer una serie de lineamientos de observación propios de la investigación en el terreno (Galofaro, 2003). La mirada científica del grupo de geólogos y la sensibilidad plástica de los dibujantes y escultores que conforman este colectivo, ha propiciado la reflexión entorno al cuidado del patrimonio cultural y entender estas relaciones binarias entre el arte y la ciencia. Nos interesa con esta conferencia romper los paradigmas que la academia ha implantado como derroteros de investigación, para proponer nuevos métodos de investigación interdisciplinar e involucrar con ello nuevos públicos.

(6:30 pm)   Jaime Pinzón, Maria Isabela Izquierdo y Eduardo Merino Gouffray. Carrera de Artes Visuales, Pontificia Universidad Javeriana  

Arte y ceguera vegetal

 La ceguera vegetal es nuestra inhabilidad de reconocer, notar 1 y caer en cuenta de los seres vegetales que conviven con nosotros. Los síntomas van desde creer que son sólo un panorama borroso en el fondo de nuestra vida cotidiana a entenderlos como objetos inanimados, porque van a otras escalas de tiempo inasibles para nosotros. En las prácticas artísticas hay varios ejemplos donde ésta ceguera se manifiesta, o donde se abre el panorama y caemos en cuenta de su presencia. Existen varios discursos en el campo de las artes que abordan las relaciones entre humano y no humano , lo que encaja con la idea de que “no existe una naturaleza singular, sino una diversidad de ‘naturalezas’ constituidas por nuestras fantasías y lenguajes”2. Sin embargo, en algunos modelos de naturaleza pueden existir casos que mantienen, empeoran o curan algunos síntomas de ceguera vegetal. Proponemos, entonces, revisar críticamente algunos ejemplos y síntomas de ceguera vegetal en prácticas artísticas (en obras como las de Eduardo Kac, Giuseppe Penone, Marlon de Azambuja, etc.) para entender cómo opera este concepto dentro de estas y cómo el lenguaje o ciertos discursos determinan unas relaciones entre las especies. A partir de eso, detonar y generar las preguntas: ¿qué implicaciones tiene la ceguera vegetal, cuando se presenta en el arte, en nuestra relación con el resto de la naturaleza? ¿el arte asume a los seres vegetales como materiales, anulando su papel como ser viviente? ¿Qué otras cegueras entre humano y no humano hay en el arte?

(6:45 pm)   Camilo Sabogal. Pontificia Universidad Javeriana        

Fotografía química en el siglo XXI

Mi trabajo se basa en un proceso de investigación creación con procesos fotográficos químicos. Descubro la fotografía por accidente, y desde el principio me dejo asombrar por los misteriosos procesos de laboratorio, al punto de profundizar y estar trabajando hoy con daguerrotipo, curiosamente el menos contaminante de los procesos que he conocido.

Me interesa rescatar la memoria de estos procesos con una conciencia de siglo XXI. Hoy la fotografía química pierde toda obligación, y desde las artes visuales se retoma como herramienta plástica, de investigación, creación, experimentación. También puede ser fin en sí misma, pero eso es otro tema. Cualquiera que sea el enfoque que se le dé al medio, se debe tener total conciencia de sus principios y así la fotografía química requiere una atención especial por su naturaleza. Está la industria que puede desarrollar alternativas más amigables con el planeta, pero también es trabajo y muy importante de quien hace uso de estos materiales. La curva de aprendizaje de estos procesos requiere de un trabajo de ensayo y error que conviene trabajar adecuadamente en pro de un resultado menos contaminante, por lo que siempre he visto útil un trabajo metódico y ordenado. La fotografía está inventada hace casi dos siglos. Es necio pasar por alto la experiencia adquirida en este tiempo de aprendizaje colectivo. En las generaciones que vienen encuentro un interés particular por los procesos manuales y artesanales, y en su interés debe desarrollarse igual el manejo responsable del proceso. Es labor docente proponer y transmitir estas posibles nuevas formas de uso, pues son las nuevas generaciones las que se encargarán de dar una aplicación responsable a estas técnicas.

(7:00 pm)   Ana María Lozano Rocha. Departamento de Artes Visuales, Pontificia Universidad Javeriana    

Estrategias humanistas de invisibilización del otro o por qué hablar hoy de posthumanismo.

En occidente, durante siglos, el humano se ha facultado como soberano sobre el mundo y como tal ha entendido la naturaleza, expuesta por doquier, como vida a su discreción, para su beneficio, como recurso. Desde una soberanía autoadjudicada, el humano se ha otorgado la autoridad para definir qué vidas son indignas de ser vividas, entre ellas, las de aquellos vivientes cuya existencia no promete un posible usufructo. Precisamente, para la activista medioambiental y feminista Vandana Shiva, Occidente se inscribió como depredadora de una naturaleza que vio, fundamentalmente como recurso y con ello, como potencial fuente de enriquecimiento y lucro. Desde estos propósitos y mediante diversos mecanismos culturales, se naturalizó la mirada del humano sobre lo otro y su mirada formuló mundos. Esas operaciones de borramiento del otro, de la perspectiva del otro, de las necesidades del otro, de los sufrimientos del otro,  son elementos que para la pensadora brasilera Suely Rolnik, son sustrato fundamental del sistema capitalístico colonial contemporáneo. Teniendo en cuenta esta metafísica euroamericana, la presente ponencia utiliza el posthumanismo propuesto por la filósofa italiana Rosi Braidotti, para revisar ciertas obras de arte que logran producir salidas, fugas, rasgamientos a ese paradigma. A su vez, esta desestructuración permite potenciar otras formas de ver al otro, de entender al otro, de pensar un vivir no antropocéntrico, no dualista y no jerárquico.

USOS SOCIALES DE LAS ARTES VISUALES

Desde la segunda mitad del siglo XX las prácticas artísticas han abierto sus límites y fronteras con nuevas estrategias para intervenir la esfera social sin apelar exclusivamente a la representación, involucrando formas de acción que pueden transformar la vida y cotidianidad del campo social. En ese sentido las artes visuales ya no son un fin en sí mismo, sino un medio para cambiar las maneras de comprender y ser en el mundo. Paralelamente, muchas prácticas artísticas han encontrado formas de intervenir la historia convencional para dar lugar a nuevas narraciones donde fluye la multiplicidad, y se evidencian las luchas simbólicas y políticas sobre el pasado. Convocamos presentaciones que permitan repensar las artes visuales como herramientas o medios para la transformación sociopolítica, o para intervenir el pasado y la memoria.

(4:00 pm)   Alejandro Gamboa Medina. Maestría en Estudios Artísticos, UDFJC

Presentación del libro Múltiples y Originales. Arte y cultura visual en Colombia; años 70. Editorial Javeriana, 2019. Conversación con los autores del libro: María Sol Barón Pino y Camilo Ordóñez Robayo.

 Desde las fronteras de la historia del arte y de los estudios visuales, Múltiples y originales describe los intercambios entre la cultura visual cotidiana y la producción artística en los años setenta en Colombia. En esta década, la economía visual se amplió con la introducción de diversos medios, técnicas y espacios de circulación, lo que permitió la aparición de imágenes hasta entonces ajenas al arte que, en el ámbito cotidiano, expandieron la visualidad y la mirada en la sociedad colombiana. El libro, resultado de una investigación que tuvo como primer producto una curaduría homónima expuesta en la Fundación Gilberto Avendaño de Bogotá en 2010, construye un amplio panorama que involucra la lectura de obras de arte e imágenes de la publicidad, el cine y la televisión, para identificar iconografías, argumentos o procedimientos que ponen en evidencia temas y problemas de la década. De esta manera, el lector podrá identificar cambios en las prácticas artísticas y visuales que corren en paralelo con episodios claves de la estructura social, la economía, y la imaginación política en Colombia.

Para emprender el desarrollo de Múltiples y originales, María Sol Barón Pino y Camilo Ordóñez Robayo conformaron el equipo TRanHisTor(ia) en 2008. Desde entonces, este grupo de trabajo ha desarrollado investigaciones, curadurías, libros, artículos y documentos que estudian prácticas artísticas y la cultura visual para indagar y considerar diversas formas de imaginación política. Entre sus curadurías y publicaciones, se encuentran Múltiples y originales. Arte y cultura Visual en Colombia, años 70 (2011-2019), Rojo y más Rojo. Taller 4 Rojo. Producción gráfica y acción directa (2012-2014), Con Wilson… dos décadas vulnerables, locales y visuales (2014), Sal Vigua (2015), La Nariz del Diablo (2017) y, junto con Gabriela Pinilla, Movimiento hacia la izquierda (2016) y De la vía armada a la vía láctea. Monos e historietas de Joe Broderick (2018). María Sol Barón y Camilo Ordóñez son profesores del Departamento de Artes Visuales de la Pontificia Universidad Javeriana de Bogotá. Camilo Ordóñez también es profesor de la Facultad de Artes ASAB de la Universidad Distrital Francisco José de Caldas.

(5:20 pm)   Adriana Cuellar. Departamento de Artes Visuales, Pontificia Universidad Javeriana

Arte, sanación y espiritualidad

Transitar del arte para mi al arte para el Otro ha significado moverme del lado seguro de la creación en el taller a entablar nuevas relaciones con el afuera. Mi inquietud comenzó en el salón de clase y en mi proceso como artista. ¿Cómo hacer ejercicios con los cuales los estudiantes se puedan conectar de una manera mas íntima con ellos mismos y encontrar su felicidad? Esta pregunta me llevó a desmontar ideas y preconceptos, adentrarme en mi a lo largo de varios talleres y seminarios para encontrar un puente con el otro que fuera consistente, profundo y sólido. He visto cómo el arte se constituye en una herramienta poderosa de auto conocimiento al abordar la experiencia desde la imagen y no desde el lenguaje cerrado del habla. Permite ampliar la idea que se tiene sobre un problema y sus soluciones. Es un área que abre la posibilidad laboral a infinidad de escenarios, haciendo del arte una plataforma de transformación en momentos tan inciertos como el que vivimos.

(5:35 pm)   Andrey David González. Investigador independiente

Creación audiovisual y tejido cultural del saber indígena

El encuadre de la propuesta sitúa la discusión sobre la imagen como un campo de poder susceptible a ser interpelado, pues se reconoce en ella una intención manifiesta derivada de las motivaciones de quien la produce, así a esta le subyace una determinación que puede ser develada en su contexto, su composición, su factura, la circulación, las características de la creación, y la mirada del creador.  La imagen cobra importancia en la modelación de los imaginarios sociales, asociados a las maneras de representar lo visionado, lo oculto y lo reprimido, es este lugar de discusión en la que se sitúa la experiencia de creación audiovisual indígena como un fenómeno de circulación y afianzamiento del saber asociados a la revitalización de la cultura, la memoria y la afirmación intersubjetiva.  Se toma como base la experiencia de realización audiovisual orientada por la línea de Narrativas Visuales que entre el 2015 y 2016, junto con la escuela de comunicaciones del Centro de Educación, Capacitación e Investigación para el Desarrollo Integral de la Comunidad, –CECIDIC- de los Cabildos del Norte del Cauca del pueblo NASA, desarrollo un proceso comunitario audiovisual.  La experiencia que en un principio se asoció a un modo de educación artística visual, pronto estableció condiciones de apropiación cultural que desde lo sensible y lo sensitivo, evidencio en la imagen audiovisual escenario de discusión, resistencia y pervivencia en las comunidades, se incorporaron prácticas propias de la comunidad, en los modelos de producción, como el andar la palabra, la armonización, la consulta a los mayores, entre otras.

(5:50 pm)   Andrés Camilo Bueno, Carolina Rojas Valencia y Ana Edith Sáenz Ramírez. Licenciatura en Artes Visuales, Universidad Pedagógica Nacional

El aula efímera: el lugar donde suceden las cosas

La propuesta “El aula efímera: el lugar donde suceden las cosas” es una apuesta que busca propiciar otros modos de pensar el espacio del aula -y lo que en ella sucede-, de manera colectiva e inexplorada, desde puntos de vista en los que se cruzan la mirada artística y la mirada pedagógica.  De esta manera el proyecto propone desarrollar intervenciones poéticas en las aulas de la Universidad Pedagógica Nacional para, a partir de su contexto, propiciar la reflexión en torno a este espacio y sus implicaciones. El aula efímera hace referencia a estas manipulaciones, que se efectúan en un espacio y tiempo determinado e imaginado, con una intencionalidad específica. El lugar donde suceden las cosas es la manera de enunciar cómo esa condición temporal, efímera del aula intervenida, imaginada, no es únicamente la modificación de la disposición espacial de los objetos o el mobiliario que la componen, sino, la posibilidad de imaginar la modificación de la disposición de los cuerpos, los sujetos y los procesos que el aula implica; es decir, es hacer suceder una práctica pedagógica diferente a la que habitualmente en ella ocurre. El aula efímera, temporal, flexible, abierta, participativa nos lleva a repensar nuestra labor como arte-educadores, desde la necesidad de activar la conciencia de sí en el encuentro con el otro. Así mismo, se busca recoger varias miradas y experiencias en torno a la convergencia entre los espacios pedagógicos y artísticos. Nos preguntamos por los modos, por las actitudes, por las interacciones comunicativas en el aula y su poder en la constitución de aprendizajes significativos y creativos. Esto solo ocurre desde una comprensión expandida, tanto del campo artístico como del campo pedagógico, pues es en esta expansión donde es posible la inter y la transdisciplinariedad entre los mismos, la construcción de relaciones arte- pedagogía, la aparición de maneras de operar del accionar artístico y pedagógico atravesadas por la imaginación poética.

(6:30 pm)   Colectivo Dexpierte. Artistas independientes

Pasados irresueltos, disputas que perduran

Las intervenciones gráficas y artísticas en el espacio público han tomado relevancia en distintas ciudades del país, más aún cuando éstas han representando históricamente una práctica social de resistencia, denuncia, acción directa y colectiva, frente a un sistema de control, dominación, represión. El contexto por el cual estamos atravesando, está enmarcado en una guerra inconclusa, que se agrava con la impunidad y se perpetua con el mantenimiento de un modelo militarista vinculado política, económica y mediáticamente, el cual que perpetúa la desmemoria y provoca el silenciamiento como una norma social desde el plano de lo simbólico. Es así como las disputas por la memoria, la justicia y la verdad se trasladan al espacio público, un lugar donde se entretejen las distintas representaciones simbólicas y repertorios de enunciación que se diversifican para descentralizar las discusiones de los escenarios burocráticos de poder y hacerlas un discurso común al que todos podemos acceder. Por tal razón queremos reflexionar acerca del papel de este tipo de acciones artísticas-visuales, comprender su relevancia y a su vez continuar elaborando razones colectivas que nos permitan entender cómo y de qué manera se han convertido en motivo de persecución, allanamientos, seguimientos y criminalización. Las intervenciones gráficas y artísticas en el espacio público, hacen de la vida cotidiana un escenario comunicativo, quienes realizan la intervención y quienes la reciben, se ven inmersos en un diálogo político que involucra nuestras relaciones sociales, nuestras memorias, nuestra responsabilidad como sujetos activos y concretamente, nuestro lugar en esta guerra simbólica. Cada retrato o mirada pintada en la calle, cada cifra, frase o incluso figuras inentendibles (así como el lugar donde aparecen), nos recuerdan que venimos de una historia que no estamos obligados a repetir y mucho menos a olvidar, por el contrario estamos llamados a intervenir, cuestionar y continuar re-elaborando permanentemente.

(6:45 pm)   Jairo Camargo, Juan Duarte y César Vargas. Artistas independientes

Plinio la epopeya del tranvía: un cómic sobre Bogotá, movilidad y movimiento obrero (1910-1924)

 Plinio, la epopeya del tranvía, es una propuesta artística de ficcionalización histórica que representa, en un cómic, la historia de Plinio, un chino bogotano que vive en el barrio Egipto, quien por no pagar su pasaje, provocó una protesta popular conocida como el boicot al tranvía de 1910. Este acontecimiento lo volvió testigo y partícipe de la transformación de una ciudad rural a una metrópoli, que estaba cambiando sus formas de trabajo y de producción durante los comienzos del siglo XX. Sumado a lo anterior, los cambios sociales de la época marcaran la vida adulta de Plinio, quien se convirtió en un mártir anónimo de la época, pues participará en eventos como la Exposición agrícola e industrial de 1910, la Marcha por los sastres de 1919, y la huelga de los tranviarios de 1924 Este trabajo le apuesta al dibujo con el fin de representar una época y algunas etapas de vida de su protagonista: por un lado, la de un niño ingenuo, travieso y juguetón, contrapuesto por un adulto que debe enfrentar la vida con obligaciones y amarguras establecida por una sociedad capitalista. Las condiciones de vida de los trabajadores a principio del siglo XX recalcaban una brecha de clase social. Plinio refleja así la vida cotidiana de las clases populares pauperizadas que se veían en la obligación de sobrevivir a pesar de las circunstancias. Esta historia hace hincapié en la precarización laboral y en la lucha de las clases populares en contra de esta situación, que la sociedad colombiana aún sigue viviendo. Esta novela gráfica relaciona problemáticas del pasado con la historia contemporánea de la ciudad, haciendo énfasis en los conflictos en torno al transporte público y la movilidad. Por medio de una investigación histórico social los autores de Plinio: la epopeya del tranvía representa el pasado que desafortunadamente se repite, a la vez que se olvida.

(7:00 pm)   Juan David Cárdenas. Departamento de Artes Visuales, Pontificia Universidad Javeriana

Consideraciones críticas sobre la imagen y la memoria

Después de la segunda guerra mundial, la memoria se ha convertido en un imperativo moral y político en defensa de los pueblos históricos. Esto ha significado la proliferación de espacios institucionales, programas de estudio, centros de rememoración y, sobre todo, de imágenes destinadas a su conservación. Algunos lo han llamado el boom de la memoria. Como todo imperativo, su evidencia flota sobre un conjunto de presupuestos que este artículo se propone revisar. Con el ánimo de problematizar la evidencia incuestionada de la memoria como herramienta política emancipatoria, este texto construye un caso con el ánimo de hacer visibles los múltiples usos a los que están sujetas las imágenes del pasado. Dar luz a esta diversidad de apropiaciones nos permitirá relativizar y advertir los peligros que supone el apego fetichista que en la modernidad tardía hemos desarrollado en torno a la memoria.